Галантный праздник ватто

Антуан Ватто (1684-1721) — Паломничество на остров Киферу (1717) — Лувр

Сюжет картины изображает аллегорическое паломничество современных Антуану Ватто персонажей на остров Киферу. Реально существующий остров, иногда именуемый в латинском варианте — Цитера(греческое Κύθηρα), расположен в Эгейском море к югу от Пелопоннеса и считается одним из главных культовых центров богини любви и красоты Афродиты (от названия острова происходит и одно из именований богини — Афродита Киферийская).
Считается, что Ватто наложил на эту мифологическую подоснову один из сюжетных мотивов популярной в его годы комедии Флорана Данкура «Три кузины», в котором упоминался чудесный остров, откуда ни одна девушка не возвращается без поклонника или мужа.

Поездка на КиферуШарль Бодлер

Я сердцем радостно кружил вокруг снастей
И птицей в синеве носился беззаботно,
Корабль медлительно качал свои полотна,
Как ангел во хмелю от солнечных лучей.

Как называется, спросил я, остров мрачный?
— Кифера, был ответ, известный в песнях край,
Седых проказников игриво-пошлый рай,
А, впрочем, островок достаточно невзрачный.

— Земля сердечных тайн и чувственных услад!
Витает над тобой великолепной тенью
И в душу льет тебе любовное томленье
Венеры давних дней нетленный аромат.

Зеленых миртов край, пестреющий цветами,
Чей культ среди людей не будет знать конца,
Где в обожании молитвенном сердца
Уносит к небесам во вздохов фимиаме…

…

1857

Первый вариант «Паломничества на остров Киферу» был создан Ватто в качестве обязательной картины для баллотирования в полные члены Королевской академии художеств. Этому предшествовала его первая попытка вступления в Академию и неудача в конкурсе 1709 года на получение стипендии для поездки в Рим. Вторая попытка вступления растянулась на пять лет: в 1712 году Ватто принимают кандидатом, но обязательную картину для прохождения в полные члены Академии он выполняет лишь в 1717 году. К этому времени живописные произведения Ватто, которые получили у современников условное название «галантных сцен», имели столь широкий успех, что это дало возможность членам Академии не рассматривать его вступительную работу в обязательной системе классических жанров. Для Ватто было сделано исключение: его картине был присвоен специальный статус «галантное празднество», тем самым Академия признавала заслуги художника.

Запись в протоколе собрания Королевской академии художеств от 28 августа 1717 года гласила: «Сьер Антуан Ватто, живописец, родом из Валансьена, причисленный 30 июля 1712 года, прислал картину, которую ему предложили исполнить для его приёма в Академию. Она изображает…». Первоначально было написано: «паломничество на остров Киферу»; затем писец зачеркнул эти слова, а вместо них написал: «галантное празднество».

Создание второго варианта этого полотна искусствоведы датируют приблизительно: около 1718 года. Вероятно, авторскую версию необычно крупного произведения художника, поступившего в собрание Академии художеств, заказал для себя один из состоятельных поклонников искусства Ватто.

Первый вариант «Паломничества» впоследствии поступил в Лувр в составе собрания Академии художеств и в настоящее время занимает центральное место в зале произведений Ватто. Второй авторский вариант в середине XVIII века был приобретён для художественного собрания короля Пруссии Фридриха Великого. Ныне этот вариант, для отличия получивший немного изменённое название: «Высадка на остров Киферу», экспонируется в берлинском дворце Шарлоттенбург.

Антуан Ватто (1684-1721) — Высадка на остров Киферу — Берлин, дворец Шарлоттенбург

Создавая второй вариант «Паломничества», Ватто в целом повторил сценографию первого, но при этом настолько существенно перестроил композицию и колорит, что в результате получилась не копия или реплика, а самостоятельное произведение. Между двумя картинами происходит тематический диалог, при этом их сравнительный анализ даёт больше возможностей для восприятия формы и понимания содержания каждой из картин, рассмотренной в отдельности.

На обеих картинах изображён остров Кифера. Об этом свидетельствует скульптурный символ острова любви: в луврском варианте — менее заметная в тени деревьев на среднем плане герма (четырёхгранный столб, завершенный скульптурной головой, первоначально бога Гермеса (отсюда название), затем других богов) Афродиты, в берлинском — выдвинутая к переднему плану динамичная скульптурная композиция Афродиты с Эротом на массивном постаменте, резко освещённая на фоне темных деревьев. На берегу расположились паломники, представляющие собой дам и их кавалеров, все они разбиты на пары.

Судно, доставившее паломников на остров, изображено лишь фрагментарно. В луврском варианте это ладья с гребцами, слева над берегом выступает украшение её носовой части — ростра в виде крылатой сирены. Над ладьёй в луврском варианте порхают фигурки путти, некоторые из них смешиваются с паломниками, при этом общее число путти не намного превышает количество основных персонажей.

Пу́тто (итальянское putto — «маленький мальчик», «младенец»).

Антуан Ватто (1684-1721) — Паломничество на остров Киферу (фрагмент с изображением ладьи и гребцов) — Лувр

Клод Дебюсси — Остров радости (1903-1904)
Играет — Святослав Рихтер

В берлинском варианте ладью сменяет корабль с мачтой и парусом, слева видна его золочёная корма, а ближе к центру картины — носовая часть. В берлинском варианте над кораблём зависает целая гирлянда путти, а их общее число увеличивается вчетверо. Одновременно увеличивается и количество основных персонажей — с 8 до 12 пар. Тем самым значительно насыщается и уплотняется пространство изображённого действия. Это сопровождается его визуальным сокращением. За счёт более низкой точки зрения (горизонта) и менее свободной предметной ситуации в берлинской «Высадке на остров Киферу» общее пространство изображения теряет глубину и широту луврского. Этот эффект усиливается и колоритом. В луврской картине классически выстроенная цветовая перспектива визуально подчёркивала удалённость задних (холодных) планов по отношению к передним (тёплым). В берлинском варианте теплый колорит затянутого сиренево-розовой дымкой неба визуально приближает его и ещё больше ограничивает пространство.

Антуан Ватто (1684-1721) — Высадка на остров Киферу (фрагмент с изображением корабля) — Берлин, дворец Шарлоттенбург

Франсис Пуленк — Паломничество на остров Киферу (1953)
Исполняют — Ада Горбунова и Виталий Гаврук

Существуют и сравнительная точка зрения на содержание сюжетов обеих картин. Согласно одной из них, луврскую картину можно рассматривать как размеренно-повествовательную: сюжет здесь достаточно широко развёрнут во времени — его зрительной метафорой становится панорамный пейзаж с уходящей вдаль водной дорогой. Эта дорога привела «паломников» к герме Афродиты, она же ограничивает их пребывание на «острове любви» перспективой неминуемого возвращения в мир реальной жизни. В берлинском же варианте уплотнённое и замкнутое пространство, наполненное динамикой празднества, до предела усиливает в образе состояние «здесь и сейчас». Если первый вариант, созданный Ватто для вступления в Королевскую академию художеств, в немалой степени ориентирован на живопись классицизма и его лидера Пуссена, чьи традиции ещё были сильны в Академии, то во втором варианте художник выстраивал форму и образ, в значительной мере следуя традициям Рубенса и мастеров венецианской школы.

Документальный фильм из цикла «Палитры» (Франция) — Тайны галантных празднеств (1995)
Режиссёр — Ален Жабер

Луврский вариант картины стал картиной в картине Паскаля Даньян-Бувре:

Паскаль Адольф Жан Даньян-Бувре (1852-1929) — Художница-акварелистка в Лувре — Эрмитаж

Французский художник Антуан Ватто известен тонким эротизмом, изображённым в Галантном празднике, жанре живописи, непосредственно вдохновлённом Комедией дель Арте. Хотя его карьера была короткой, творчество Антуана Ватто оказало большое влияние на европейский мир искусства. Французского художника лучше всего помнят за его картины Fete Galante, жанр, который Французская академия художеств изобрела, чтобы классифицировать представление Ватто о вечеринках в саду, где хорошо одетые пары смешивались в окружении идеализированных пейзажах.

Двенадцать лет деятельности Ватто ознаменовали эстетику начала 18 века далеко за пределами Франции.

Тонкий эротизм, характеризующий его картины, сделал Антуана Ватто ведущей фигурой французского вкуса в Европе. Ватто был одним из представителей движения рококо.

После того, как власть Людовика XIV над аристократией и буржуазией закончилась, пришло время Регентства герцога Орлеанского, и правление Людовика XV стало долгожданной передышкой. Эта позитивная атмосфера повлияла и на искусство. Галантный праздник Ватто прекрасно иллюстрирует легкомысленную атмосферу, царившую среди аристократической и светской элиты после сурового периода в конце правления Людовика XIV.

Влияние комедии дель Арте на творчество Антуана Ватто

Сын кровельщика, Жан-Антуан Ватто родился в 1684 году в Валансьене. Город был частью графства Эно, ныне расположенного на севере Франции, недалеко от границы с Бельгией. Хотя он начал своё раннее художественное ученичество в Валансьене, талант Ватто расцвёл, когда он переехал в Париж в 1702 году.

Фото: thecollector.com

В начале 18 века французская столица была одним из крупнейших городов Европы и находилась в авангарде художественной жизни. Когда правление Людовика XIV закончилось в 1715 году, Париж принял Версаль и его двор в качестве главного города королевства. Шумная столица стала домом для разных артистов, в том числе для трупп комедии дель Арте, театральных коллективов, устраивавших импровизированные номера на улицах. Итальянские комедианты импортировали этот популярный театральный жанр, характеризующийся тем, что актёры в масках изображают и обыгрывают наивные и остроумные представления. Несколько персонажей, до сих пор известных сегодня, пришли из устоявшегося репертуара комедии дель Арте, например, Арлекин и Пьеро.

В начале 18 века Ватто работал на службе у парижского художника, выполняя утомительную работу по копированию разнообразных религиозных и жанровых картин. Антуан изучал старых мастеров, особенно фламандских художников, таких как Рубенс и Ван Дейк, и венецианских мастеров, таких как Тициан и Веронезе. Встретив гравёра и художника Клода Жилло, который стал его учителем, Ватто открыл для себя богатые образы комедии дель арте. Далее он развил свои таланты на службе у французского художника и дизайнера орнаментов Клода Одрана III.

Фото: thecollector.com

Работы Ватто стали популярными и продаваемыми благодаря нескольким случайным встречам с художниками и торговцами, признавшими его таланты. Великие коллекционеры, такие как французский финансист Пьер Кроза и Фридрих Великий, король Пруссии, купили несколько картин Ватто, что способствовало успеху художника. Между 1718 и 1719 годами Ватто написал портрет Пьеро в полный рост в окружении других персонажей комедии дель арте, одну из своих самых известных картин. Любовь Клода Жилло к театру, безусловно, вдохновила Ватто написать такую картину маслом на холсте.

Пьеро — один из самых известных персонажей комедии дель арте. Он один из занни, или слуг, его можно узнать по белому костюму и напудренному лицу. В отличие от других персонажей комедии дель арте, Пьеро не носит маски. Он хитрый слуга с наличием особого здравого смысла.

Тонкий эротизм Галантного праздника

В 1717 году Ватто представил Паломничество на остров Киферу для Academie Royale de Peinture et de Sculpture, то есть Французской Королевской академии живописи и скульптуры, базирующейся в Париже. Художник представил это масло на холсте как приёмную часть, репрезентативную часть его работы, чтобы быть принятым в члены академии. Фактически, Ватто уже стал академиком в 1712 году, но только пять лет спустя, после нескольких напоминаний, он представил свою приёмную статью присяжным. Поскольку ни одна категория не соответствовала этому новому типу живописи, Французская академия специально изобрела термин «Fete Galante», означающий «ухаживание», чтобы обозначить стиль изображения Ватто радостных воссоединений аристократов на фоне идеализированного открытого ландшафта.

Фото: thecollector.com

Некоторые считают его подкатегорией жанра Fete Champetre. Академия дала это имя изображениям садовых вечеринок 18-го века, организованным в престижных местах, таких как Версальские сады, чтобы развлечь аристократию музыкой и фееричными костюмами. Жанр Fete Galante стоял между исторической живописью и портретом в иерархии жанров.

Иерархия жанров, теоретизированная в 17 веке французским летописцем искусств и придворным историком Андре Фелибьеном, поставила мифологические и религиозные сюжеты, включённые в историческую живопись, выше репрезентаций повседневной жизни.

Изобретая этот новый жанр, Ватто заслужил признание коллег-академиков и средства богатых клиентов, больше интересующихся аристократическими, чем мифологическими представлениями.

Ватто заимствовал идеализированные пейзажи мифологических сюжетов как декор для своего нового жанра.

Фото: thecollector.com

Паломничество на остров Киферу часто считается прототипом Галантного праздника. На ней изображено прибытие богато одетых аристократов на греческий остров Кифера. Кифера или Китира — это место, связанное с Афродитой, богиней любви в древнегреческой мифологии. Пока вокруг летают десятки амуров, несколько пар устраивают эротическое свидание. В то же время за ними наблюдает статуя Венеры, аналога Афродиты в римской мифологии. На первый взгляд сюжет и обстановка кажутся жизнерадостными. Однако при ближайшем рассмотрении картина представляет собой отъезд, а не прибытие на остров романтики. Даже если его название говорит об обратном, оно выглядит как раз наоборот; одна за другой пары покидают остров в тяжёлой атмосфере. Fete Galante представляет собой момент чистой праздности, доступный только аристократии. Сюжеты этих картин бывают как светлыми, так и тёмными. С одной стороны, главные атрибуты — соблазнение и эротизм; с другой стороны, атмосфера таинственная и меланхоличная. Этот жанр олицетворял состояние благодати во французском искусстве.

Описание любовных встреч Ватто

Ватто был мастером изображения тонкой эротики. Его пары близки, но не полностью приближаются друг к другу, их жесты работают в унисон. В то время, когда женщины редко открывали определённые части своей фигуры, простое воспоминание об обнажённой шее или покрасневшей коже раскрывало распутную силу картины. С другой стороны, мужчины, изображённые в творчестве Ватто, самоуверенны и беспечны. Иногда открытая сумка с недавно сорванными цветами у его ног может навести на мысль о предстоящих любовных утехах. Цветы и другие природные элементы также имеют особое значение, часто связанное с романтикой и удовольствием.

Фото: thecollector.com

Ватто был одним из первых художников, представивших реальность любви, показав все оттенки любовной истории, от первых встреч до страсти и разлуки, от радости и надежды до разочарования и отчаяния.

Творчество Антуана Ватто в свете романтизма

В неоклассический период тонкий эротизм Галантного праздника Ватто игнорировался вместе с распутной склонностью Старого режима, периода, предшествовавшего Французской революции 1789 года. Неоклассицизм быстро стёр прихотливость произведений рококо. В 19 веке художники-романтики заново открыли для себя творчество Ватто, и его меланхоличный характер сразу же обратился к ним. В их глазах Fete Galante потерял свой радостный тон, и они сосредоточились на таинственной и мрачной атмосфере сцен. Тёмные цвета картин частично объяснялись старением лака, который мог затемнить краски картины всего за дюжину лет из-за своей нестойкости. Яркие и пастельные тона Ватто превратились в осенние оттенки.

Фото: thecollector.com

Британский художник-романтик Уильям Тернер отдал дань уважения Антуану Ватто в своём «Этюде Ватто 1831 года по правилу Френуа». Тернер изобразил Ватто в окружении своих картин и нескольких поклонников. И всё же меланхоличный аспект картин Ватто не был полностью придуман романтиками. Вибрирующие и нервные мазки Ватто создавали иллюзию изменчивой и эфемерной реальности, как и изображаемые предметы. Соответственно, любовь может быть мимолётной эмоцией против своего величайшего врага: времени.

Укоренившееся влияние Антуана Ватто

Антуан Ватто был на пике своей карьеры, когда его жизненный путь подошёл к концу. Он скончался в возрасте 36 лет, возможно, от туберкулёза. Как новаторского и популярного художника, живопись Ватто оказала сильное влияние на его современников и художников, работавших спустя долгое время после его исчезновения.

Фото: thecollector.com

Французский художник Николя Ланкре, работавший под руководством Клода Жилло вместе с Ватто, пошёл по стопам своего товарища. Он так преуспел, что две его картины были ложно приписаны Ватто, вызвав гнев и зависть. Позже, вместо того чтобы рисовать воображаемые и таинственные пейзажи, Ланкре закреплял своих персонажей в реальности. Современники легко узнавали те или иные места, изображённые в его работах. Тем не менее, работам Ланкре не хватало тонкого баланса между радостной сценой и определённым чувством меланхолии и осознания тщетности жизни, столь хорошо представленной в картинах Ватто.

Французские художники в стиле рококо Франсуа Буше и Жан-Оноре Фрагонар предложили более личное видение Галантного праздника. Франсуа Буше был плодовитым художником, вдохновлённым творчеством Ватто. Он стал бесспорным мастером стиля рокайль. Следуя сильному морализирующему сентиментализму 1760-х и 1780-х годов, когда развратные образы игнорировались как далёкие от «истинной любви», Жан-Оноре Фрагонар обновил жанр Галантного праздника и вернул его к жизни в конце 18 века.

Фото: thecollector.com

В дальнейшем творчество Ватто продолжало оказывать влияние на художников. Один из самых известных поэтических сборников Поля Верлена был непосредственно вдохновлён «Галантным праздником» Ватто. Культовый французский поэт XIX века опубликовал в 1869 году сборник «Галантные праздники» из 22 стихотворений. Как и Ватто в своих картинах, Верлен инсценировал сцены соблазнения между персонажами комедии дель арте в идеализированных сельских пейзажах. Некоторые эксперты даже утверждали, что картины Ватто и то, как он играл с красками и светом, представляли предпосылку импрессионизма.

Гала́нтная сцена — жанр в изобразительном и декоративно-прикладном искусстве XVIII века, специализирующийся на сюжетах из светской (в частности — придворной) жизни, а также на пасторалях.

Появление жанра

Жанр галантной сцены возник во Франции в конце 1710-х — в начале 1720-х годов. Появление этого жанра искусствоведы связывают с изменением стиля жизни аристократии после смерти Людовика XIV (1715).

Последние годы жизни короля были отмечены отказом от прежних удовольствий и откровенным ханжеством, что наложило отпечаток на быт версальского двора. Даже французская мода того периода — намного сдержаннее, чем итальянская, саксонская или английская.

С воцарением регента Филиппа Орлеанского (при малолетнем короле Людовике XV) жизнь французской аристократии резко изменилась.

Лучше всего об этом выразился А. С. Пушкин:

По свидетельству всех исторических записок ничто не могло сравниться с вольным легкомыслием, безумством и роскошью французов того времени. Последние годы царствования Людовика XIV, ознаменованные строгой набожностию двора, важностию и приличием, не оставили никаких следов. Герцог Орлеанский, соединяя многие блестящие качества с пороками всякого рода, к несчастию, не имел и тени лицемерия. Оргии Пале-Рояля не были тайною для Парижа; пример был заразителен… Алчность к деньгам соединилась с жаждою наслаждений и рассеянности; имения исчезали; нравственность гибла; французы смеялись и рассчитывали, и государство распадалось под игривые припевы сатирических водевилей.

Кардинальное изменение в психологии высшего общества вызвало к жизни и новый жанр — галантную сцену: отображение легкомысленного и бесцельного времяпрепровождения аристократов.

Особенности жанра

Галантная сцена всегда изображает непринуждённое общение двух или нескольких лиц (чаще всего — на фоне фантастически-красивого пейзажа). Это может быть беседа, флирт, игра, прогулка, танец. Герои картин, как и природа, на фоне которой разворачивается неспешное действие, всегда красивы и гармоничны (с точки зрения заказчиков «галантных сцен» — аристократов).

Для этих целей, как нельзя лучше, подходил появившийся именно в эпоху Регентства стиль рококо — манерный, причудливый и воздушно-лёгкий.

У героев картин, как правило, нет реальных прототипов: это не портреты конкретных лиц, а всего лишь привлекательные статисты «галантного празднества». У галантной сцены нет и конкретного сюжета, то есть действия в его развитии. Основной принцип мастеров галантной сцены — изображение идеально-красивых людей в обстановке безмятежного и абсолютного счастья. Даже тревога или лёгкое неудовольствие в галантных сценах выглядят наигранными и ненастоящими.

Иногда к галантным сценам относят и так называемые пасторали — тема «пастушеской любви»: нарядные пасту́шки принимают ухаживания от таких же утончённых пастухов.

Эта бессюжетность, как и приукрашивание натуры, подвергались резкой критике со стороны философов Просвещения.

Дени Дидро писал, что «галантные» картины Франсуа Буше — изящны, однако, лживы и лишены вкуса, а Мармонтель полагал, что «Буше не видел подлинной грации».

Ещё одна особенность галантной сцены — фривольность, эротизм, которые были присущи не только искусству, но и аристократическому мироощущению Галантного Века.

Художники, работавшие в жанре галантной сцены

• Франсуа Буше
• Антуан Ватто
• Морис Кантен де Латур
• Никола де Ларжильер
• Жан-Марк Наттье
• Жан Франсуа де Труа
• Жан Оноре Фрагонар

Для Ф.Буше, Ж. Ф. де Труа и Ж. О. Фрагонара жанр галантной сцены был основным в творчестве.

Галантная сцена в декоративно-прикладном искусстве

XVIII век — эпоха ярких, изящных безделушек, украшавших быт пресыщенной аристократии. Галантные сцены стали излюбленным мотивом для художников, расписывающих экраны вееров. Среди этих мастеров — Ф. Буше и Ж. О. Фрагонар. Французские веера производились «штучно» и являлись настоящим предметом роскоши.

Производители гобеленов также использовали галантные сцены.

С возникновением фарфорового производства в Европе, во дворцах появились многочисленные статуэтки, изображавшие даму и кавалера. Кроме того, галантные сцены часто использовались при оформлении дворцовых плафонов, стен, дверей, каретных дверец.

Галантная сцена в творчестве К. Сомова

В творчестве объединения «Мир искусства» заметен явный интерес к образам эпохи рококо. Константин Сомов в иллюстрациях к «Книге маркизы» создаёт неподражаемые по изяществу галантные сцены. Влияние на сомовскую манеру рисунка оказал его современник — Обри Бердслей (иллюстрации к произведениям Александра Поупа).

«Книга маркизы» издавалась дважды — в 1908 и в 1918 году, причём издание 1918 года было дополнено эротическими сюжетами, не вошедшими в первое издание.

Художник А. Н. Бенуа так писал об этой работе своего товарища: «Вся соль в том, что к изображению старины в старинных формах он привносит нечто такое, чего не встретишь в старинных литографиях и альбомах».

Помимо «Книги маркизы», у К. А. Сомова была целая серия картин, воскрешающих жанр галантной сцены. Это — «Арлекин и дама» («Фейерверк»), «Зима. Каток», «Юноша на коленях перед дамой» и знаменитый «Язычок Коломбины».

Картины Сомова не являются стилизаторским повторением работ Ватто или Буше, это — взгляд человека XX столетия на давно ушедшую, притягательную эпоху. Это взгляд восторженный, но ироничный.

Литература

• Малая история искусств. XVIII век. — М., 1977.
• Е.Федотова Ф.Буше. — М., 2004.
• М.Ю.Герман Антуан Ватто. — М., 2002.
• А.С. Пушкин Арап Петра Великого (изд. собр. избр. соч. в трёх томах). — М., 1957.

Галантный праздник